Korisi on tyhjä
Aina käydään paljon keskustelua elokuvan parhaasta aikakaudesta. Kahdesta sentistäni sanon suurella luottamuksella, että elokuvahistorian parasta aikaa oli 70-luku.
Tämän vuosikymmenen aikana tapahtui varmasti muutos, joka näki 60-luvun lopun elokuvan jatkumisen, kunnes syntyi menestys, sellaisena kuin me sen nykyään tunnemme.
Voisimme melkein jakaa 70-luvun kahteen kategoriaan, vaikka mainitsen myös alakategoriat, kuten Blaxploitation-ajan. Toisaalta ohjaajat alkoivat siirtyä mahdollisimman kauas perinteisestä Hollywoodin tuotantokoodista.
Löydä parhaat pin-upit 50- ja 60-luvuilta !
Rajoja työnnettiin ja optimismi korvattiin syvästi pessimistisellä työllä. Kaikella ei ollut onnellista loppua. Asiat hämärtyivät heijastaen vaikeaa ajanjaksoa yhteiskuntahistoriassa, kun siirryimme kansalaisoikeuksien aikakaudesta Nixonin aikakauteen, Vietnamiin ja taloudelliseen taisteluun kaikkialla lännessä. Viime kädessä asiat siirtyisivät jännitteistä Kaukoidässä jännitteisiin Venäjän kanssa.
Viimeinen maailmansota oli vielä suhteellisen tuore, ja 1960-luvun lopun väkivaltaiset konfliktit ja niihin liittynyt levottomuuden tunne teki tästä ajanjaksosta huolestuttavan ja hämmentävän ajan yhteiskuntahistoriassa. Kuten kaikki asiat, tämä näkyy elokuvassa.
Tämä voi joskus toimia monella tapaa. Siellä on taipuva joko sosiaalisesti reflektoivaan elokuvaan tai enemmän eskapistiseen elokuvaan, ja 70-luvun lopulla näimme siirtymisen edellisestä jälkimmäiseen.
1970-luvun alussa nämä rohkeammat elokuvat ja uusi aalto tuoreita ja virkistäviä ohjaajia, kuten Francis Ford Coppola ja Martin Scorsese , tarjosivat usein ankaran mutta elegantin elokuvavalikoiman.
Samoin joukko poikkeuksellisen lupaavia näyttelijöitä (ja näyttelijöitä), kuten Robert De Niro, Al Pacino, Dustin Hoffman, Jack Nicholson, Meryl Streep ja Harvey Keitel, alkaisi korvata Hollywoodin epätyypillisempiä tähtiä. Cary Grant -muotti jne. He jatkaisivat polun rakentamista, jota joku Marlon Brando oli alkanut veistää.
Metodologisesta lähestymistavasta tulee paljon yleisempää tällä aikakaudella ja se muodostaa lujasti rohkean ja rohkean lähestymistavan tuleville pelaajille. Samoin komediassa Jerry Lewisin korvattiin ohjaajien, kuten Woody Allenin ja Albert Brooksin, . Se, mitä tunnemme viime aikoina mumblecorena, pohjautuu voimakkaasti Allenin jne. teoksiin.
Menemättä liian yksityiskohtiin siitä, kuinka nämä elokuvat toimivat, koska jokainen elokuva, jonka voisin nimetä, on sinänsä teoretisointikirjan arvoinen, on sanomattakin selvää, että klassisen elokuvan määrä tältä vuosikymmeneltä on huikea.
Kyllä, olisi aivan liian helppoa osoittaa sormella kahta kummisetä ja kutsua heitä elokuvan huipuksi. Ne ovat epäilemättä mestariteoksia. Tiedämme miksi. Joten vältän niitä. Heidän maineensa edeltää heitä.
Coppolassa aion puhua hieman klassisesta esimerkistä elokuvasta, joka ilmentää täydellisesti 70-luvun lähestymistapaa elokuvaan. Se oli ajankohtainen, ajatuksia herättävä ja synkkä. Se oli myös esimerkki yhdestä historian surullisimmasta ohjaajan CV:ssä olevasta elokuvasta.
Tämä elokuva ei voisi olla huonommin sijoitettu kuin se oli, sillä sijoittelu itsessään näki elokuvan imeytyneen mustaan aukkoon. Se oli täysin sitä edeltäneen ja seuranneen varjoon.
Tämä on The Conversation, minimalistinen, yksinkertainen, riisuttu elokuva, joka oli Coppolan kahden ensimmäisen suurenmoisen elokuvan Kummisetä välissä. Sinänsä The Conversation on loistava elokuva. Se on mestariteos. Kiinnostava, älykäs, poikkeuksellisen kirjoitettu ja oudolla tavalla se vaikuttaa jälkiajattelulta. Näyttää siltä, että hän täyttää aikaa.
Se täyttää aukon gangsterieeposten välillä. Kaikista kalliista ja monimutkaisista lavastusteoista Kummisetä-elokuvan näyttämöstä ja editoinnista Keskustelun kauniin yksinkertaiseen kehystykseen ja hiljaisuuteen.
Tämä elokuva ansaitsee olla 100 parhaan joukossa. Okei, siinä ei ehkä ole Coppolan poikkeuksellisen gangsterikaksion ikonista muotoilua (emme mainitse kolmatta osaa), mutta Gene Hackman esittää yhden introspektiivisimmistä ja tehokkaimmista esityksistään. elokuva, jossa on hieno äänisuunnittelu ja jännittävä kuvaus vainoharhaisuudesta johtuvasta hermoromahduksesta.
En voi korostaa tarpeeksi niille, jotka jäivät siitä paitsi, mutta sinun täytyy ehdottomasti katsoa The Conversation.
Coppola päättäisi vuosikymmenen rönsyilevällä sotaeeposella, joka tyylillisesti on vastakohta sille suoraviivaiselle lähestymistavalle, jota hän käytti edellä mainitussa Hackman
Apocalypse Now oli mutkikas koettelemus. Se melkein maksoi Martin Sheenille hänen henkensä. Coppola otti tähän perfektionistisen lähestymistavan. Jokainen kuva jokaisesta kohtauksesta on taidetta. Se on upea elokuva, jossa on silmiinpistäviä visuaaleja, jotka leikkivät kauniisti sen todellisen kuvan synkän kauhun kanssa.
Kaikki laajoista, visuaalisesti häikäisevistä sarjoista Marlon Brandon aavemaisen mutta intensiivisen mukaansatempaavan esityksen läheisyyteen on genren määrittelevää nerokasta työtä.
Jos jokin asia ilmentää täydellisesti 70-luvun tasoa muihin verrattuna, se on Coppolan CV. Hän teki hienoa työtä läpi 80-luvun (rakastan Rumble Fishiä), mutta ei mitään muuta kuin Corleone-saaga, hänen eeppinen Nam tai edes The Conversation.
Scorsese aloitti Mean Streets -elokuvan, raa'an ja tyylikkään gangsterielokuvan, joka esitti paljon vähemmän romantisoitua ja modernia (silloin) kuvaa... no... ilkeistä katuista.
1970-luku oli raakaa ja kokeellista Scorsesen aikaa. Suuri hetki oli tulossa ja jossain määrin se hermostunut, luova eloisuus, jonka hän oli saavuttanut huipunsa vuosikymmenen lopussa Raging Bullin kanssa.
80-luvun alkuun mennessä hän oli kehittänyt taitojaan, ja kymmenen vuoden kuluttua hän ohjasi mestariteoksen Goodfellasissa . Yksi hänen tyylikkäimmistä ja introspektiivisimmistä elokuvistaan on kuitenkin Taksikuljettaja .
Hän on nousussa oleva ohjaaja, täynnä uusia ideoita, rohkeutta ja vaistoa. De Niro oli kiehtova. Lähes 90 % siitä, mikä tekee hänen esityksestään niin kiehtovan, on sisäistä. Travis Bickle vetää yleisön sisään ja vaatii huomiotamme ja tulkintaamme.
Elokuva on erilainen kuin mikään Scorsese on tehnyt sen jälkeen. Loppujen lopuksi se oli myös ajankohtainen. Se oli 1970-luvun epätyypillinen elokuva, ja romanttiset kuvaukset New Yorkista ovat suurelta osin kadonneet, ja ne on korvattu elokuvilla, kuten Taxi Driver. Katso myös LA, Chicago ja San Francisco. Elokuvantekijät näyttivät nyt, mitä kulissien takana tapahtui.
Jopa aikakauden elokuvassa kaikki oli hyvin modernia. Esimerkiksi Chinatown soitti kuin vanha musta purukumipuu, mutta kaikki siitä tippui (loistavasti) 1970-luvun pessimismiin.
Tämä aikakausi ei ollut pelkästään soihdutus ja suuri karva, kaukana siitä, eikä todellakaan elokuvallisesti. Jack Nicholson vakiinnutti tiukasti uuteen aaltoon, kun taas ohjaajana Roman Polanski alkoi tehdä mainetta Euroopan ulkopuolella (ja ennen kuin hän teki itselleen mainetta jostakin oikeastaan vähemmän maukkaasta).
Elokuva, joka on yhtä hyvä esimerkki (Robert Towne) käsikirjoituksesta kuin näette, on kiistatta synkkä eikä karkaa mitään kuvaamaansa, olipa kyseessä sitten yrityskorruptio, poliisi tai insestillinen raiskaus.
Kun kuolemattomat viimeiset sanat " It's Chinatown " lausutaan elokuvan synkimmän ja liikuttavimman lopun jälkeen, katsoja murtuu, mutta ote, tuo kiehtova ja intohimoinen katselutila, vapautuu. Chinatown, kuten monet tuon aikakauden elokuvat, pysyy kanssasi.
Voit katsoa koko joukon vaikeita, synkkiä ja voimakkaita elokuvia aikakaudelta suuresta budjetista pieneen budjettiin. French Connection, Marathon Man , upean raaka ja sisäelimet Badlands.
Samoin, kun näet elokuvan, kuten All The Presidents Men , se osoittaa, että elokuvantekijät eivät pelkää välitöntä tarinaa. He käsittelivät tässä ja nyt, eivätkä antaneet haavojen parantua ensin.
On siis joukko nousevia tähtiä ja ohjaajia, jotka ovat edelläkävijöitä uusissa ja virkistäviä tyylejä. Mutta sillä välin vakiintuneet tähdet ja ohjaajat työskentelivät edelleen.
Brando , joka kirjoitti pelin säännöt uudelleen 1950-luvulla, tuotti edelleen ikonisia esityksiä Coppolalle. Sidney Lumet , ohjaaja, joka inspiroi monia nousevia 70-luvun ohjaajia (mukaan lukien FFC ja Scorsese), tuotti edelleen joitain parhaista teoksistaan, kuten Dog Day Afternoon ja Serpico (jotka eivät herättäneet aaltoja heidän kuvauksissaan sosiaalisista levottomuuksista ja institutionaalinen korruptio).
Tämä aikakausi oli myös avainaikaa hyväksikäyttöelokuvalle. Ohjaajat kuten Michael Winner (Death Wish) ja Abel Ferrara saapuvat areenalle. Heidän elokuvansa oli huolimaton, hieman rosoinen, mutta oudon oivaltava.
Death Wishin tuhojen joukossa on joitakin kertovia sosiaalisia kommentteja. Se ei puhu vain American Cityn kaupunkiympäristöstä, vaan myös koko länsimaisesta yhteiskunnasta tuolloin. Tämä on elokuva, joka voitaisiin yhtä helposti kuvata ja sijoittua Lontooseen.
Todellakin, jos katsot Get Carterin (Mike Hodges) synkkää ja murheellista maailmaa, britit näyttivät todellakin haluavan siirtyä pois romanttisista kaupunkielämän kuvauksista. Jos Coppolan kaltaiset hahmot hajosivat perinteisyyden, kuten jäykät ammuntamuodot, kolmipistevalaistus jne. He myös ylittivät perusteettomasti arviointitoimikunnan rajoja.
Se oli aika, jolloin pornografiset elokuvat olivat hyvin yleisiä. Hollywoodin tuotantokoodi oli liekeissä. Kaikki työnsivät maun ja säädyllisyyden tasoja ja kokeilivat onneaan. Deep Throat, Debbie Does Dallas ja muut.
Samaan aikaan näimme vahvan mustan liikkeen Blaxploitation -elokuvan . Yhtäkkiä syntyi populaatio, jota ei ollut aiemmin huomioitu.
Tietysti kansalaisoikeusliike vaikutti tähän. Epätyypillinen standardiyleisö (Hollywoodin mielestä usein valkoisina miehinä ja korkeintaan valkoisina naisina) ei vaatinut realistisempaa ja raakaa elokuvaa, vaan myös vähemmistöyleisö vaati jotain itselleen.
Vaikka Pacino ja De Niro jne. tekivät asiansa (omilla italialais-/amerikkalais-identiteettiillään), näimme tähdet, kuten Richard Roundtree , Fred Williamson , Pam Grier ja Jim Killy , pääosissa trendikkäiden, tyylikkäiden, asenteellisten hyväksikäyttöelokuvien kokoelmassa.
Olipa kyseessä Shaft , Coffy tai Foxy Brown , nämä elokuvat eivät olleet täysin realistisia. Ne olivat pohjimmiltaan sarjakuvaelokuvia, joissa oli sitruunainen roskainen kierre.
Jollain tapaa nämä elokuvat olivat tapa kiertää perinteitä ja jopa Hollywood New Wavea (jossa oli alkanut usein esiintyä mustia hahmoja osana rikollisryhmiä jne.)
Kaikki tämä osoittaa, kuinka ihanan eklektistä amerikkalaista ja brittiläistä elokuvaa oli. Samaan aikaan oli paljon kokeellista elokuvaa.
Ihmiset olivat siirtymässä pois studiojärjestelmistä. Joukko elokuvakoulusta valmistuneita teki omia pienibudjetisia elokuviaan ja etsi ponnahduslaudat isommille teoksille (Scorsese, Ferrara, FFC jne.).
Ihmiset, kuten Terrence Malick tai John Cassavetes, olivat hyvin epätavallisia tyyliltään ja tapansa kertoa tarinoita. Erityisesti Cassavetesilla oli erittäin raaka tyyli, mutta kaikessa hänen teossaan oli tarkka totuus.
Mielenkiintoinen elokuva ei tietenkään rajoittunut vain länteen. Mutta jossain määrin se on vain saavuttamassa sitä, mitä itämainen elokuva ja Eurooppa ovat jo tehneet.
Samaan aikaan, jännitteistä huolimatta, itäeurooppalainen elokuva alkoi herättää huomiota Yhdysvalloissa. Itse asiassa katsojan arvostus maailman elokuvasta on tulossa yhä havaintokykyisemmäksi ja avoimemmaksi laajemmille vaikutteille.
Andrei Tarkovski yhdisti kauniisti valokuvauksen taiteen ja estetiikan liikkuvaan kuvaan. Hän tasoitti tietä venäläisille ja itäeurooppalaisille ohjaajille. Ranskalainen elokuva oli jo vallannut suuren osan ryhmästä; Amerikkalainen elokuva oli nyt, 1950-luvun lopulla, pitkälle 1960-luvulle, kun taas Godardin kaltaiset kokeelliset työskentelivät edelleen vakaasti.
Kuten sanoin, voisin omistaa kokonaisia artikkeleita jokaiselle mainitulle henkilölle, mutta en ole varma, että Internetissä riittää tallennuskapasiteettia sekaisin. Myös edellä mainitut Polanksi ja Milos Forman tekisivät harppauksen maistaan Hollywood-maineeseen.
Kauhuelokuvat mullistavat heidän tyylinsä. Ne keräävät siemeniä, jotka hahmot, kuten Hitchcock tai Michael Powell (Peeping Tom) ompelevat. Tyylillisiä lähestymistapoja työnnetään ja rajoja työnnetään videovalvonnan, värien ja editoinnin suhteen.
Lopulta asiat muuttuvat yhä synkemmiksi (saatanallisiksi), pelottavammiksi tai verisemmiksi. Meillä oli Manaaja, Rosemaryn vauva, Omen ja sitten Giallo-elokuvat, jotka tulivat meille Italiasta . Dario Argento sähköistävissä kauhuelokuvissa, kuten Deep Red ja Suspiria , luovien, rajoja työntävien ja rajoittumattomien ohjaajien liike.
70-luvun lopulla John Carpenter tuli mukaan ja kirjoitti slasherin säännöt uudelleen, mikä johti sarjaan jäljitelmiä ja franchising-sopimuksia 80-luvun ajan.
Kuten aiemmin mainitsin, asiat selkiytyivät vähitellen vuosikymmenen loppua kohden, kun yleisö tarvitsi nyt hieman eskapismia. Yhtäkkiä näimme toivoa ja hyvyyttä.
Vähän fantasiaa siellä täällä. Dirty Harry , Deliverance ja Do n't Look Now elokuviin, kuten Rocky, Close Encounters of the Third Kind , Grease ja tietysti Star Wars . Nykyään elokuvantekijät pyrkivät yhä enemmän keräämään lipputuloja sen sijaan, että haastavat yleisön älyllisen tai sosiaalisen omantunnon.
80-luvulla oli vielä sekoitus, mutta maisema oli ehdottomasti muuttumassa kohti fantasiaa. Olipa kyse ulkopuolisten tarinoista tai avaruusseikkailuista. Nixon-Namin jälkeisen aikakauden todellisuutta oli vaikea omaksua. Ihmiset halusivat nähdä todellisuuden, mutta myös elivät sen. He tarvitsivat jotain erilaista.
Esimerkiksi Rocky Balboassa se osoitti tiettyä toivoa. Että jopa näillä tavallisen ihmisen saastaisilla kaduilla oli mahdollisuus johonkin suurempaan.
Flickering Myth -kaistanleveyttä paljon enemmän, aion kysyä teiltä, mitkä ovat suosikkielokuvasi 70-luvulta, ja onko elokuvalle olemassa parempaa aikakautta?
Googlettamalla luettelo 70-luvun elokuvista näet, mikä oli kyseisen vuosikymmenen erinomainen (maailmanlaajuinen) tuotanto. En usko, että voimme ylittää häntä.
Löydät myös 100 parasta New Yorkissa kuvattua elokuvaamme kaikilta aikakausilta!
Kommentit hyväksytään ennen julkaisemista.
